Renacimiento

Universidad Tecnológica Equinoccial

Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño

Renacimiento

ARQUITECTURA

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            BRUNELLESCHI FILIPPO
      Fue arquitecto y escultor Italiano nacido en Florencia el 15 de Abril de 1377 y murio en la misma ciudad el 16 de Abril de 1446. Fue uno de los arquitectos màs reconocidos de sus tiempos y el primer arquitecto de la edad moderna, ya que fue uno de los iniciadores del Renacimiento y serà el que definirá con toda precisión los principios fundamentales del sistema y las leyes de la perspectiva, también por sus aportaciones como la recuperación de los motivos clàsicos y la capacidad para transladar a sus obras las leyes matemáticas de la proporción y la perspectiva. 

               

LA BASÍLICA DE SAN LORENZO DE BRUNELLESCHI:

Su diseño arquitectónico consta de una planta de cruz latina; complementando este diseño el autor colocó tres naves en las que se adosan capillas laterales.

La nave central en comparación a las dos laterales es de mayores proporciones tanto en lo alto como en lo ancho, la cual también consta de arcos de medio punto que iluminan naturalmente el interior del templo, sostenidos por columnas corintias. La cubierta interior de la nave es plana, con casetones decorados mediante rosetones dorados sobre fondo blanco.

CATEDRAL DE SANTA MARIA DEL FIORE (EL “DUOMO”):

Los retos para el autor fueron significativos ya que por el gran tamaño y peso de la cúpula se vio forzado a salirse de los métodos tradicionales de construcción e imponer un método revolucionario e innovador; siendo la cúpula el distintivo como símbolo de la ciudad.

El interior está diseñado por planta de cruz latina, con tres naves sujetas por tres columnas. En la pared interior de fachada predomina el gran reloj litúrgico.

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      RAFAEL ALBERTI
      PALCIO RUCELLAI         

Este palacio se construyo en Florencia en los años de 1446-1455; y es un típico ejemplo de la arquitectura del siglo XV.
La fachada esta dividida en tres pisos separados por cornizas con un claro sentido horizontal, y para romper la horizontalidad Alberti introduce una seria de pilastras verticales en las que emplea la superposición de órdenes clásicos; también la fachada posee un almohadillado uniforme de estilo romano. La planta baja está decorada con columnas dóricas, el primer piso con pilastras jónicas y el tercer piso con pilastras corintias.

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      DONATO BRAMANTE

TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO

El templo se construyó en la ciudad de Granada en memoria de San Pedro por ser crucificado en esta misma ciudad y también donde fue ejecutado el autor de la construcción Donato Bramante.

El templo es circular y de planta centrada, cubierto por una cúpula semiesférica. En la fachada exterior se encuentran columnas de orden toscano  que sostienen un entablamento dórico. En la parte interna del templo se puede acceder por cuatro diferentes puertas y en la parte central se encuentra un altar; con esta construcción se empieza la arquitectura italiana del Cinquecento por la ausencia de toda decoración innecesaria.

 ANDREA PALLADIO

VILLA GODI

Esta obra sorprendió mucho en su arquitectónica, estructura ya que le falta la ornamentación, decorativo típico, y en la fachada las proporciones refinadas y simétricas.

Pero también presenta algunos de los elementos típicos como: la palomera y la escalinata central. El interior de la villa está decorada por dos escuelas pictóricas muy diferentes, en el ala izquierda y en el salón central se puede observar divinidades y paisajes de la Grecia antigua entre otras cosas de la escuela clásica, en el ala derecha se encuentra la escuela mística en la cual se puede apreciar las simetrías con representaciones del hogar doméstico y sátiros.

TEATRO OLÍMPICO DE VICENZA

El Teatro Olìmpico fue el primer teatro cerrado del mundo. En el interior tiene ambientación al aire libre, con un escenario rectangular. La parte màs llamativa es el proscenio, un arco triunfal, en cuya parte superior se observa el sello de la ciudad, detrás del proscenio se abre la espectacular perspectiva de las siete vìas de Tebas.

PINTURA

·         MASACCIO

TRÍPTICO DE SAN JUVENAL

Como en todo tríptico se puede apreciar la obra en tres tablas: la tabla central representa a la virgen entronizada con un niño en brazos y dos ángeles a cada lado esto muestra que es una obra de forma triangular, en las tablas laterales izquierda aparecen una pareja de santos que se los identifica como San Bartolomé y San Blas  y en la tabla derecha esta otra pareja de santos que son  San Juvenal y San Antonio, muestra que los cuatro santos llevan unos libros de enseñanza en las manos.

·         PAOLO UCELLO

BATALLA DE SAN ROMANO

Es una de las obras más representativas que realizó, Paolo Uccello, en esta obra Paolo convierte en un elemento primordial la perspectiva, puede identificar claramente con el volumen; en algunas obras de Ucello mezcla los elementos como los medievales, renacentistas y góticos; el autor representó a las figuras humanas y a los animales con figuras geométricas y altamente precisas, los caballos están en posturas forzadas con las que transmite la violencia de la batalla. Esta secuencia es considerada como un pretexto para conseguir una expresión totalmente detallada del movimiento surgido de la situación.

SAN JORGE Y EL DRAGÓN

Paolo Uccello aparece como una de las personalidades más influyentes del Renacimiento florentino, y se distinguió por una búsqueda permanente de la pureza de la forma y de la expresión. Esta es una de las más reconocidas obras del autor, la cual está diseñada en un temple sobre madera y fue pintado en los años de 1456 y 1460; en esta obra como en la mayoría el elemento principal es la perspectiva y también crea una atmósfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar a obras del surrealismo.

·         FRA ANGELICO
      ANUNCIACIÓN(1450)

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      Esta obra fue pintada entre los años de 1437-1446 en Florencia. Es una de las obras más representativas de Fra Angelico yu es uno de los mayores logros de la pintura florentina, esta obra tiene una técnica de oro y temple sobre tabla, es de estilo Quattrocento, actualmente se encuentra en el museo del Prado en Madrid-España.
      Es pintura se muestra claramente que es del renacimiento, ya que tiene perspectiva, es lineal, tiene una forma cerrada ya que se muestra a la birgen en la parte de la derecha y a un ángel frente de la virgen, los cuales se encuentran dentro de un templo, donde las columnas son de orden compuesto, al fondo se muestra un aposento que acentúa la profundidad y la perspectiva.
      Fra Angelico realizó otras versiones de la Anunciación , por lo que se torna en una tema muy repetitivo, aunque para Fran Angelico le consideraba como sus mejores pinturas al fresco.              
         
           SANDRO BOTTICELLI

EL NACIMIENTO DE VENUS (1485)

Esta obra fue una de las obras más reconocidas de este autor por ser la primera pintura hecha en gran escala en el tiempo del renacimiento con un motivo exclusivamente secular y mitológico; esta obra es de forma triangular, centrípeta por lo que la venus se encuentra en la parte del centro, también tiene paisaje y perspectiva, y retrata uno de los más pintorescos  mitos clásicos que nos transporta en un mundo de sueños y poesía; está obra fue ejecutada sobre lienzo y se conserva en la galería de Florencia tradicionalmente fue encargada por Lorenzo. Botticelli ha conseguido una figura magnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una línea oscura.

LA PRIMAVERA

Es una de las obras maestras de Botticelli ya que se ha interpretado en términos musicales y está realizado sobre una tabla, esta pone en evidencia el contraste con el desarrollo del pensamiento artístico a través de la perspectiva; trata de una pintura muy sugestiva en la que elementos incluso eróticos se elevan hacia una espiritualidad refinada, melancólica.

Identifica el arte con la interpretación racional de la realidad que culmina con la grandiosa construcción teórica de Piero, Botticelli adquiere un formato monumental con tamaño natural y la acompaña con gran detalle.

·         ANDREA MANTEGNA
      CRISTO MUERTO

Esta pintura causo gran impresión ante la gente de esa época, ya que jamás en ese tiempo se había pintado a cristo de una la manera en que Mantegna lo pinto lo cual era algo radicalmente distinto. Mantegna pinto a los pies lastimados de Cristo en primer plano, las manos heridas, el  pecho hinchado en donde levemente se puede observar la herida en su costado en el tercer plano y la cabeza del fallecido la cual se inclina hace un lado en cuarto plano. Esta obra se puede decir que Mantegna utilizo una de las técnicas más difíciles, ya que se utilizo una perspectiva circular, es decir que la mayor parte de su cuerpo estaba realizada en forma de círculos con una perspectiva triangular hacia adentro.

·         LEONARDO DA VINCI

LA GIOCONDA 

Fue una obra famosa desde el momento de su creación, es el retrato que más literatura ha generado a lo largo de toda la historia del arte; está pintada sobre una delgada tabla de madera de álamo, extraordinariamente frágil , esta obra ha dado origen a cuentos, novelas, poemas y hasta óperas. La expresión de un rostro tiene principalmente dos rasgos: las comisuras de los labios, los cuales han hecho correr ríos de tinta. Se ha visto en ella crueldad y se le ha considerado la sonrisa despiadada de la mujer que esclaviza al hombre. Otros se han sentido deslumbrados por su encanto, por su dulzura y otro rasgo sería las puntas de los ojos, pero también existen otros motivos para producir dicho efecto: los dos lados del cuadro no coinciden exactamente entre sí, como lo pone en evidencia el paisaje del fondo.

VIRGEN DE LAS ROCAS

Esta obra es de composición centrípeta ya que coloca a una virgen con los niños a su alrededor, lo cual también le hace una obra triangular, esta obra tiene varias anomalías, como por ejemplo en uno de los niños que se encuentra podría ser Jesús, pero hay otro niño igual con las mismas facciones entonces eso sería que Jesús tendría un hermano gemelo. Esta obra está pintada con una idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla, y como todas las obras de este periodo tiene paisajismo y la perspectiva.

·         MIGUEL ÁNGEL
      CAPILLA SIXTINA

Miguel Ángel pinto la capilla sixtina basándose la gran parte de su obra en el primer libro de la biblia del antiguo testamento que es el Génesis, el cual relata la creación del mundo y del hombre por medio de Dios. La obra más representativa de todo este mural es la Creación de Adán, la cual se encuentra en el centro, la representación de Dios en esta obra es la apariencia de un hombre de edad avanzada por su cabello de color blanco y su barba larga de igual manera, vestido con una túnica, a sus espaldas aparece probablemente ángeles en gran número, su brazo derecho esta estirado apuntando con su dedo hacia Adán el cual esta recostado, y su brazo izquierdo esta estirado con su dedo apuntando al de Dios para conectarse con Él pero no se llegan a tocar.

·         RAFAEL ZANCIO

SAN MIGUEL

Esta pintura fue solicitada por el papa a Rafael y que esta pintura representa la ejecución de este San Miguel con objeto de regalárselo al rey francés, el objetivo del regalo era agradecer la reciente alianza entre el pontífice y el rey. Es una pintura de alto renacimiento italiano de Rafael Sanzio. Es una pintura al óleo sobre tabla. En un paisaje desolado con la silueta de una ciudad ardiendo en la distancia, San Miguel acaba de aplastar contra el suelo al Demonio y va a matarlo con un golpe de su espada. Los monstruos que se arrastran desde todos los lados son Reminiscencia de los creados por Hieronymus Bosch, mientras que las figuras del centro recuerdan a las del Infierno del poema épico de Dante la Divina Comedia.

LA ESCUELA DE ATENAS

 

Esta obra está basada en la arquitectura monumental de tal forma que el mural muestra una potente sensación de profundidad. En esta obra Rafael quiso poner bajo el mismo techo a varios de los más destacados representantes de la filosofía, la ciencia y las Artes de la Antigüedad, otra de las características principales de esta obra es que los dos personajes principales que serían Aristóteles y Platón coinciden con el punto de fuga geométrico. Representa la revalorización de la cultura clásica (generada por el humanismo).

 TIZIANO
VENUS DE URBINO (1538)
 

      Esta obra se realizo en óleo sobre lienzo, es de estilo del renacimiento Italiano y se encuentra en la galería de Uffizi; es una de las obras más increibles de Tiziano. El erotismo es lo principal de la pintura, ya que como es de forma centripeta la venus se representa de forma desnuda y muy sensual en el centro, que esto hace referencia a las obligaciones maritales que tiene la mujer haci su esposo. En la parte inferior de la cama aparece un perro, el cual hace referencia a la fidelidad conyugal; mientras que en la parte posterior de la habitación se puede observar a la empleada que mira a la  niña mientras hurga en un cajón, esto hace referencia a la maternidad, lo cual significa que esta pintura también posee prespectiva y es de forma lineal.
     

            TINTORETTO

VENUS, VULCANO Y MARTE

Este autor fue uno de los grandes pintores pertenecientes a las Escuelas Veneciana y una de las figuras exponenciales del Renacimiento italiano. Esta obra está realizado en óleo sobre lienzo.

Esta obra se basa en los amores entre los dioses de la mitología griega Venus y Marte, Venus está reclinada y su marido, el viejo Vulcano, se acerca y descubre el pubis de su esposa. En una cuna, detrás, Cupido duerme. Y bajo la cama se oculta el amante de Venus, Marte.

EL NACIMIENTO DE JUAN EL BAUTISTA

Es también conocido como La Natividad de la Virgen, como indica el título de la obra está basada en el nacimiento de Juan el Bautista, narrado en la Biblia por Lucas en su evangelio.

La obra describe como la madre de Juan (Elizabeth) estaba acostada en la cama, y a lado de ella se encontraba el padre (Zacarías), y junto a ellos se encontraban algunas mujeres que le estaban ayudando con el parto a Elizabeth.

La obra de Artemisia destaca por su ambientación interior, al gusto del naturalismo, de tal modo que es una escena de sabor cotidiano.

ESCULTURA

·         DONATELLO
      GATTAMELATA

·        Es una escultura monumental echa en bronce. La escultura consta de un hombre el cual es el general Marco Aurelio en el momento en que está pasando revista a las tropas montado en su caballo el cual da la apariencia de ir despacio por la forma de sus patas.

      ANDREA VERROCCHIO

BARTOLOMEO COLLEONI

Esta fue una de las obras más famosas ya que es una estatua ecuestre. Fue el primer intento de producir semejante grupo, con una de las patas del caballo en el aire. 

De esta estatua sobresale también la magnífica plasmación del movimiento, Verrocchio se propuso realzar el dinamismo de todo el conjunto, a cabeza del caballo gira hacia un lado mientras que el jinete se apresta sobre la montura, rectas y energéticas las piernas, torzonado el cuerpo, ladeada la cabeza.

DAVID

Es otro de los ejemplos de escultura dedicada a este rey de Israel, pero esta escultura es diferente a las otras ya que Verrocchio le hace vestido, en la mando derecha lleva una espada, la mano izquierda está en la cintura y  con la cabeza del gigante que acaba de matar a sus pies, y tiene en su rostro un gesto victorioso.

·         LUCA DELLA ROBBIA
      CANTORÍA

Esta obra fue designada a Luca Della Robbia ,cuando este era aún un desconocido. La obra se trata de un púlpito par el órgano. Representa imágenes del salmo 150, estas imágenes están distribuidas uniformemente en la parte frontal de la obra, son en total ocho cuadros pequeños los cuales tienen representaciones de niños y niñas cantando, danzando  e instrumentos, el número de niños y niñas en cada sección es diferente en algunos casos, están entre diez, nueve, ocho, siete, seis o cinco.

·         GIOVANNI BELLINI
      RETABLO PESARO

Geovanni Bellini hizo esta obra para una de las familias más influyentes en Venecia. La obra cuenta con varias escenas pero la más llamativa es la escena central por lo que es la más grande, en esta escena se muestra la coronación de la virgen por Jesús, también se encuentran cuatro santos que están presentes dos a lado de la virgen y dos alado de Jesús a más de eso hay una pequeña corte de querubines y la paloma blanca en el centro superior que simboliza al espíritu santo.

·         GIORGIONE
      VENUS DORMIDA

      Esta pintura tiene su impacto no solo por el simple hecho de que Giorgone hiciera esta pintura tan controversial al hacer una mujer de aspecto sumamente hermosa y de figura sensual sino que el autor dejo la obra inacabada por su repentina muerte entonces fue Tiziano el encargado de acabar la obra y por eso esta obra es tan aclamada ya que dos de los más grandes pintores hicieron esta obra. Una mujer reposa plácidamente en el campo totalmente desnuda apoyado la cabeza en su brazo derecho y tapando el pubis con su mano izquierda.

Arte Griego

Universidad Tecnológica Equinoccial

Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño

Arte Griego

Periodos de Arte Griego

*Período Geométrico (1100 a.C. - 650 a.C.)

Lo que más caracteriza a este período son las piezas de cerámica, decoradas con motivos geométricos y también en que la figura humana es muy esquematizada. La cultura griega comenzó a formarse con el desarrollo del sistema alfabético y político; durante este período emergieron las obras de arte, que en su mayoría eran esculturas de algún tipo que por lo general se producían pequeñas estatuillas de bronce.

*Período Arcaico(650 a.C. - 475 a.C.)
Las obras empezaron a cambiar, en vez de utilizar patrones geométrico empezaron a utilizar joyerías, metal y piedras preciosas, con influencias provenientes de estilos extranjeros especialmente por los persas y egipcios quienes aportaron el naturalismo y el realismo en sus presentaciones y en las pinturas comenzó aparecer los temas de animales. De vez en cuando, los artistas comenzaron a ilustrar los mitos y vestimentas del país a través de sus obras de arte lo que abrió camino al período clásico.

*Período Clásico(475 a.C. - 323 a.C)
Este período es denominado como la "época dorada", y se caracterizó por la expresión, un movimiento y una aceleración de la especie humana. Grecia a alcanzado la plenitud en todos los campos.
Se caracteriza por el equilibrio entre los órdenes Dóricos y Jónicos, tomando lo mejor de ambos para fusionarlos en una síntesis sublime.
Las esculturas de bronce de este período eran una forma de arte principal, y se complementaron muchas obras de arquitectura.

*Período Helenístico(323 a.C - 31 a.C.)

En este período la obra de arte sufrió una gran transformación final, las piezas se enfocaron en las posturas y contrastes drásticos de sombra y luz, por lo que es la etapa más barroca del arte y tienen un nivel de naturalismo muy alto; y se dirigen hacia la violencia e intensidad, con grupos de sujetos místicos involucrados con la violencia.  

Arquitectura del Arte Griego

Las principales características de la arquitectura griega los edificios están hechos a la escala humana, es fundamentalmente a dintelada, no es tan colosal como la egipcia, también se caracteriza por su armoniosa simplicidad en las formas y alta calidad de técnica; no presenta una decoración escultórica recargada, sino que está distribuida en relación con las formas estructurales del edificio. El templo es el monumento capital de esta arquitectura y la columna su elemento fundamental.

Pintura del Arte Griego

En donde mejor se aprecia la pintura griega es en las vasijas de cerámica, en los mosaicos y en copias romanas posteriores, lo que más caracterizo e impresiono en la pintura griega eran los increíbles efectos de realismo y naturalismo; el inicio del modelado de los pliegues y los objetos curvos enfatizando el grosor de las lineas y con tramas de rayas y tenia una forma primitiva del claroscuro.

Escultura del Arte Griego

Las primeras esculturas que se hicieron en este estilo fueron pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables, como la arcilla, el marfil o  la cera; poco a poco comenzaron a cambiar la forma de trabajar y empezaron hacer las esculturas con piedra, por lo que las primeras esculturas en piedra que se hicieron fueron de una forma sencilla, solo se trataba de una figura de un muchacho o una muchacha que eran de forma lisa y redondeadas, aunque eran un poco sencillas plasmaban una belleza ideal, por lo tanto lo que más se destaco en la escultura fue representación de la proporción humana.

Ordenes Griegos


ORDEN DÓRICO: Es el más antiguo y sobrio en cuanto a las formas y proporciones, su decoración se basa en preservar la mayor austeridad posible.No tiene basa, tiene un ensanchamiento en su centro, el capitel consta de collarino, en el ábaco descansan las piezas horizontales, el arquitrabe es como una gran viga recostada sobre columnas, carece de decoración, en el friso si existe decoración donde se alternan los triglifos y las metopas, la cornisa sobresale del friso y está decorada con mutulos.

ORDEN JÓNICO: El más moderno y adornado, este suele estar asociado a lo femenino, el pedestal es igual que la del dórico, la columna arranca de una basa formado por una escocia y dos toros, el capitel termina en un ábaco, el friso se encuentra decorada con relieves, mientras que la cornisa esta ornamentada.

ORDEN CORINTIO: Tiene las mismas caracteristicas del orden jónico, aunque lo que cambia es su capitel  que se encuentra decorado con hojas de acanto y su friso puede estar decorado o no.

Elementos de un Templo Griego


En esta figura se muestra claramente cada uno de los elementos de un templo Griego.

TEMPLO GRIEGO: Es el edificio más caracteristico de la arquitectura griega, estos tipos de templos básicamente consiste en una planta rectangular en donde poseían dos o tres estancias, en donde se albergaba las estatuas de los dioses; esta planta rectangular está rodeado por columans de los diferentes órdenes griegos, también cuenta con una cubierta por un tejado de una o a dos aguas; a este templo se lo consideraba un lugar en el cual vivia dios, los dioses olímpicos como Zeus, Hera, etc.

Gótico en Países Bajos

Gótico en los Países Bajos

Artistas:

*Jan Van Eyck

Nació en el año 1395 en Maaseik provincia de Limbourg, en los Países Bajos orientales que estaban bajo el dominio del duque de Borgoña, y fallece el 9 de Julio de 1441 en Bruselas.

Jan Van Eyck es uno de los más conocidos pintores primitivos flamencos, ya que se le considera el iniciador de la Escuela Flamenca y quien llevó a unos niveles de perfección elevadísimos la técnica del óleo. Trabajaba los colores al óleo pacientemente, a veces con la yema de los dedos, hasta plasmar los reflejos luminosos de los objetos y el aspecto cambiante de la luz; por lo cual sus obras se caracterizan por atmósferas ambientales y el estudio de la luz y el color.

*Rogier Van der Weyden

Nació en el año 1399 en Tournai, y fallece en Bruselas el 16 de Junio de 1464.

Fue un pintor primitivo flamenco, recibió sus primeras clases en el taller de Robert Campin; en 1435 fue nombrado pintor oficial de la ciudad de Bruselas. Aunque fue un artista con mucho prestigio, ya que fue el pintor flamenco de mayor proyección internacional en su tiempo y uno de los grandes maestros del siglo XV en Flandes, no se conoce pinturas firmadas ni existe documentación precisa sobre contratos o recibos de pago que permitan asignarle con entera certeza ninguna obra.

Rogier Van der Weyden parte del estilo expresivo, lineal y naturalista de su maestro para dotarlo de una mayor intensidad dramática y un mayor grado de sofisticación y refinamiento. Por esto es que sus obras se distinguen por sus colores fríos y un sentimiento religioso trágico, con la rigurosa composición, también presta atención al volumen y al dibujo, y analiza de forma cuidadosa los diversos estados de ánimo de los personajes, y capta sus sentimientos y reproduce fielmente las distintas calidades de las telas y los plegados.

Tras un viaje a Italia conoce la pintura del renacimiento italiano y su obra se hace más suave, más idealizada y sentimental.

*Jeronimo Van Aeken

Nació el 2 de Octubre de 1450 en Hertogenbosch, Países Bajos; fallece en el mismo lugar el 9 de Agosto de 1516.
Fue conocido como el Bosco, fue pintor Holandés, pero realiza sus obras en Flandes. En sus pinturas mezcla motivos astro lógicos, de folclore, brujería y alquimia, en sus obras de madurez cambio un poco su estilo y desarrolló un lenguaje de simbolismo visual, que a veces era una traducción literal de las metáforas verbales de la Biblia.
Sus obras son un intento de salvar la cultura clásica que se había difuminado en la Edad Media.
Las principales características de sus obras son la perfección técnica y la calidad del dibujo, fantasía y originalidad y la burla e ironía, también muestran la preocupación por la inclinación del hombre hacia el pecado y la condena eterna a las almas pérdidas.


*Pieter Brughel

Nació en el año de 1525 en Breda, Países Bajos, y fallece el 5 de Septiembre de 1569.

Principal pintor holandés del siglo XVI, y fue considerado como uno de las cuatro grandes figuras de la pintura flamenca entre los que esta Jan Van Eyck, Jerónimo Bosco, Pedro Pablo Rubens.
Pieter Brughel fue fundador de la dinastía Brueghel; ya que tuvo dos hijos Pieter el Joven y Jan, fueron también pintores.

La mayoría de sus obras fueron cuadros de paisajes, de género y de escenas campesinas, e inspirado en el Bosco, empezó hacer cuadros que reflejan la vida cotidiana con realismo, abundancia de detalles y un gran talento narrativo; su obra es producto de una visión panorámica del mundo, y abarca desde la pintura religiosa alegórica hasta las escenas de la vida campesina.

Desde 1555, comenzó hacer grabados que posteriormente publicó, a últimos de la década de 1550 inició una serie de grandes paneles pintados que representaban diferentes aspectos de la vida rural flamenca.

Análisis de las pinturas:

*El Triunfo de la Muerte

Autor: Pieter Brueghel-el Viejo
Año: 1562
Estilo: Renacimiento
Técnica: Óleo sobre tabla
Tamaño: 117cm x 162cm
Localización: Museo del Prado, Madrid, España

Esta obra es una de las conocidas del pintor Pieter Bruegel el Viejo, es característico del arte cristiano y se puede relacionar con representaciones del juicio final; esta obra nos enseña muchas cosas ya que se describe como una obra moral del triunfo de la muerte por las cosas mundanas, simbolizando a través de un gran ejercito de esqueletos arrasando la Tierra, esta obra nos demuestra que en el juicio final, que la muerte no hace distinciones, es decir que podemos observar que toda clase social, ricos, pobres, guapos, feos, viejos, jóvenes, que todo tipo de persona sea cual sea su clase social también en algún momento le llega la muerte. Se dice que esta históricamente la obra se ubica en un momento de crisis económica y social por la que atravesaba Europa.
En esta pintura se observa el cielo de un color obscuro que simboliza el cambio climático y también se representa el humo por lo que todo el mundo se quema y se ve claramente los incendios. También se puede observar que el mar que se ve a los náufragos, a los barcos. Por otro lado se observan muchas escenas de crueldad como la de la casa que se encuentra en las orillas del mar, la cual esta rodeada de varios esqueletos; también se muestra claramente que los esqueletos hacen lo que sea para que los vivos caigan, como los mástiles que se alzan con ruedas y personas sobre ellas, picotas en las cuales están ahorcando a las personas una por una, también intentan ahogarles, degollarles, les persiguen con perros esqueléticos.
En el primer plano de la obra se ve a la gente intentando pelear contra los esqueletos (la muerte), ya que les están llevando a un ataúd gigante, algunos ya se dan por vencido en cambio otros aún luchan, pero se ve que son muchos más los esqueletos que están a cada lado del ataúd gigante y tienen como escudo tapas de ataúdes. En ciertas partes de la pintura se puede observar pecados que comete el hombre, como la avaricia que está representada en los barriles llenos de oro y plata, la gula, la pereza y la lujuria se lo representa con los dos amantes que están en la parte inferior derecha que no muestran ningún interés en lo que está pasando a su alrededor, y que tienen una mesa llena de comida a lado de ellos y algunos juegos de azar en el suelo, se ve también que algunos esqueletos están con relojes de arena en la mano que simboliza que el fin ha llegado y los dos esqueletos que están tocando las campanas para avisar que el fin del mundo llegó.En otra parte se puede observar al rey que está con toda su joyería, con su corona, el cetro y con algunos barriles que al parecer le pertenecían pero se muestra a un esqueleto recogiendo todo ese dinero esto simboliza que todas las riquezas se quedan en este mundo que no nos llevamos nada.

*El Jardín de las Delicias

Autor: Jeronimo Van Aeken-El Bosco
Año: 1500-1505
Estilo: Renacimiento
Técnica: Óleo sobre tabla
Tamaño: 220cm x 398cm
Localización: Museo del Prado, Madrid, España

Se trata de un tríptico, en esta obra se puede observar que en las tablas de los extremos trata de diferenciar el paraíso con el infierno, diciendo que la tabla de la izquierda representa al paraíso terrenal, con todo su resplandor y también con la creación de Adán y Eva, y con todos los animales y que está en completo orden y resplandeciente y se muestra que en el centro de Adán y Eva se encuentra una imagen de Dios. Por otro lado la tabla de la derecha representa al infierno, ya que se ve claramente que esta todo oscuro y no hay un orden por lo que todos hacen lo que quieren y se ve que en la parte superior están casas en llamas, también se observan instrumentos musicales que hace referencia para torturar a los músicos que se dedicaron a la música profana; en esta parte se muestra que en el infierno llegan todos los pecadores ya que se representan todos los pecados capitales.
En la tabla del centro es la más grande por lo que representa al mundo que está separando al paraíso del infierno, a este espacio es lo que se lo conoce como el jardín de las delicias porque muestra a la humanidad entregada a todos los placeres mundanos, se puede observar claramente las representaciones de la lujuria, de fuerte carga erótica, ya que se puede observar a una gran cantidad de personas, todos desnudos y también a una gran cantidad de animales, plantas y frutas. En el panel central se muestran una gran cantidad de cosas que hacen referencia a los pecados capitales, pero con más énfasis a la lujuria ya que en varias escenas se puede observar que están teniendo contacto sexual y en la parte central se muestra a un estanque lleno de mujeres desnudas y alrededor están varios hombres desnudos que están montando a caballo y las están observando; también se puede observar que en la parte inferior de este panel se observan a animales mucho más grandes de lo que son normalmente.

*Matrimonio de los Arnolfini

Autor: Jan Van Eyck
Año: 1434
Estilo: Gótico Flamenco
Técnica: Óleo sobre tabla
Tamaño: 82cm x 60cm
Localización: National Gallery, Londres, Reino Unido

Esta obra muestra a una pareja de esposos, el autor fue muy minuciosos en cada detalle de la pintura, ambientado en un interior de la época repleto de pequeños detalles, las texturas más diversas, desde el pelo sedoso del perro situado en primer término hasta all latón pulido de la lámpara y la superficie convexa del espejo del fondo, donde el pintor da una segunda versión de la escena al mismo tiempo que crea efectos de profundidad, con las lineas en perspectiva en el suelo y en el techo; en esta obra se resalta mucho a iluminación que se representa en las ventanas. En esta pintura se nota la clase social del matrimonio que es de clase alta por los adornos de la habitación y la vestimenta 

Edad Media

UNIVERSIDAD TECNOLOGICA EQUINOCCIAL

FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTE Y DISEÑO

EDAD MEDIA

Paleo cristianismo

Características generales de la pintura paleocristiana y análisis de obras

1-Se limitan a evocar un pequeño número de figuras y de diversos objetos.
2-La variedad de colores es limitada.
3-Es una pintura, que más de figurar, sugiere.
4-Las figuras se dirigen al espectador (normalmente están de frente, sin embargo no es lo mismo que frontalidad).
5-La esencia de la divinidad es imposible de representar.

6-Desde un punto de vista formal la perspectiva jerárquica de las figuras. (Las figuras más importantes son las más grandes) perspectiva inversa. (Las figuras que están detrás son más grandes) desproporción.

·         Obras Importantes

Daniel con los leones

Esta pintura se encuentra en la catacumba de San Calixto; en esta imagen se puede observar que en el centro se encuentra un hombre desnudo pero nada sensual, que está representando a Daniel que está rodeado de dos leones, en esta pintura se puede destacar algunas de las virtudes de Daniel como su constancia en la oración para que no sea tragado por los leones y también su capacidad de sacrificio ya que en los días que Daniel estuvo en la fosa con los leones estuvo ayunando. También esta imagen se puede interpretar la muerte y la resurrección, la muerte se refiere a los leones ya que antiguamente se los utilizaba para la ejecución; y la resurrección se refiere a la fosa la cual fue comparada con la tumba de Jesús en la cual resucito.

  Jonás

Esta pintura se encuentra en la catacumba de Santa Priscila; aquí podemos observar u barco pesquero con dos hombres y estos hombres están lanzado a un tercero hacia el mar, el cual está muy turbulento y con grandes olas, las representaciones de esta pintura fueron tomadas del libro de Jonás, y en ciertas partes esta imagen significa la salvación ya que están arrogando a Jonás para poder tener calma, también puede significar el poder de la oración ya que como se sabe que después de haber arrojado a Jonás al agua fue tragado por una ballena y por la oración es que puso salir, pero hay muchas interrogantes acerca de esta pintura ya que puede tomar varios significados.

Adán y Eva

Esta imagen se encuentra en la Catacumba de Santa Priscila; en esta pintura se puede observar que en el centro se encuentra un gran árbol y a los costados se encuentra un hombre y una mujer desnudos queriéndose tapar; esto hace referencia cuando Adán y Eva ya comieron del árbol del bien y del mal y descubrieron su desnudes por lo que intentaban taparse; esta pintura es una de las más enigmáticas debido a que es muy difícil encontrar su verdadero significado ya que en contextos funerarios podría significar el pecado y la muerte en sentido negativo, pero también se puede pensar que sea una escena como la de Jonás que por lanzarle por el barco hubo paz y salvación.

Características generales de la escultura paleocristiana y análisis de obras

La escultura del paleo cristianismo se caracteriza mucho por sus esculturas en sarcófagos, los cuales se realizaban en mármol y una roca porosa oscura; por lo que también se caracterizó la escultura paleo cristiana es en su decoración ya que en los sarcófagos cultivaba los relieves y los labrados en marfil de tamaño pequeño, la composición de estos relieves era muy variada; aunque la decoración más usual de los sarcófago es la de estrígiles, es decir unos labrados a base de curvas como una s, esto hace referencia a la pureza del alma.

·         Obras importantes

El sarcófago del Buen Pastor

En esta escultura se puede observar claramente como son las características principales de una escultura, ya que en el centro se puede observar a un joven con una oveja en sus hombros y a otras ovejas alrededor de sus pies; esto hace referencia al buen pastor y se puede observar que está esculpido en relieve y con detalles minuciosos y es de tamaño pequeño. Alrededor del buen pastor podemos ver que existen como unos relieves en forma de s que esto hacía referencia a la pureza del alma, ya que como cuenta la historia el pastor de ovejas no paro hasta recuperar a la oveja perdida.

Cristo Doctor

Esta escultura también es conocida como Cristo sedente.

En esta escultura podemos ver a un joven que está sentado y que está vestido con una túnica como anteriormente se vestían; esta escultura hace referente a Cristo como un maestro con un rollo de la ley en la mano derecha, se muestra imberbe, es decir que no tiene pelo en la cara por ser joven, aunque aparece con el pelo largo, sentado en la silla curul, esta silla significa que otorga el poder de un juez entre los romanos. Es el antecedente del Cristo en majestad medieval.

   Sarcófago de Aurelio

Este sarcófago se encuentra en las catacumbas de San Lorenzo Fuori le Mura, en Roma, es del siglo IV está hecho de mármol y en la actualidad se encuentra en el museo del Vaticano.

En esta escultura se puede observar en la parte inferior izquierda a la virgen sentada en una silla de alto respaldo que sostiene al niño Jesús recién nacido fajado e inmóvil, a lado de la virgen se ve primero a los tres reyes magos con sus respectivos regalos para el niño Jesús, se los puede observar de una manera que no se los diferencia, sus vestimentas su actitud corporal es la mismo esto se hace referencia a la unicidad de los reyes magos. En la parte superior del sarcófago se repiten escenas de Jonás, Jacob, Daniel y a lado de la virgen y de los tres reyes magos se encuentra la escena de Adán y Eva.

Características generales de la arquitectura paleocristiana y análisis de obras

·         Obras Importantes

 Mausoleo Gala plácida

Este mausoleo es aproximadamente del  Siglo V y está situada en Rávena (Italia).

Las características principales es que tiene una planta en forma de cruz griega, siendo la primera construcción occidental que aparece con esta disposición. También su interior se cierra con una cúpula y bóvedas de cañón, decorándose sus paredes con ricos mosaicos.

Este mausoleo es el enterramiento monumental de la hermana de emperador Honorio, llamada Gala Plácida. Está revestida de ladrillo presentando una decoración austera en el exterior y la cubierta está hecha por tejados con vertientes a 2 y 4 aguas, pequeñas ventanas y saeteras son las únicas fuentes de luz del edificio. La decoración interior (basada en motivos cristianos) posee un importante simbolismo, presentando temas vegetales (evocando al paraíso) combinados con decoración geométrica y figurativa (mártires, apóstoles, ángeles, etc.). El ábside presenta una decoración de un cielo estrellado con ángeles en las esquinas.

Este Mausoleo es del siglo IV el cual está situado en Roma

Las principales características son que la corona es una cúpula de medio punto que descansa sobre un tambor macizo. También la sala central está separada de la colateral por doce pares de columnas con capiteles compuestos, sobre los que descansan cojinetes que sirven de apoyo a los arcos de medio punto.

Erigido por el emperador Constantino para albergar los restos de su hija Constanza. Responde al modelo de edificio centralizado, alternativo a la basílica, que fue utilizado para baptisterios, mausoleos, (restos sepulcrales de mártires), y que debían sus plantas circulares o poligonales a la necesidad de hacer accesible el objeto o persona venerada.

Basílica Santa Sabina

Esta basílica fue construida en del siglo V y en el pontificado de Celestino I, está situada en Roma.

La arquitectura de está basílica es el único ejemplo que se puede comprobar la armonía original de las basílicas paleo cristianas, esto es debido a sus elegantes proporciones, la sobriedad de sus mármoles. Está basílica aún conserva parte de los 18 paneles de madera los cuales representan escenas de la Biblia. Está basílica fue el punto de arranque de toda la arquitectura occidental, ya que es un edificio sencillo, alargado, con una clásica planta rectangular y columnas que separan las naves, la central más ancha y elevada que las laterales; está diferencia sobresaliente permitía incorporar algunas hileras de ventanas por donde penetraba la luz. Hay una clara valoración del espacio interno desarrollado en sentido longitudinal y articulado en tres naves. Es un espacio claramente direccional con un foco de atención en el altar situado en el ábside.

Cristianismo

Lo que hoy se conoce como imperio Bizantino fue considerado por sus habitantes como la continuación del imperio Romano. Bizancio heredó de Roma la intención política de gobernar el mundo, su eficiente burocracia, su formidable sistema militar e incluso un Senado al modo romano. La reconquista de la antigua Roma y de Occidente constituyeron un constante sueño que duró ocho siglos. Sin embargo, Bizancio ocupaba la parte más próspera del mundo mediterráneo y sus enemigos no eran pueblos bárbaros, sino civilizaciones con una larga historia, como los persas y los pueblos árabes.

Cuando Constantino el Grande fundó año 330, adoptó las creencias cristianas, legando a sus sucesores una posición privilegiada como regidores de la ortodoxia, (en igualdad con los apóstoles).

Características generales de la pintura bizantina, análisis de obras.

·         Obras Importantes

  Cristo Pantocrátor

En esta imagen se puede observar a once personas que están distribuidas por todo el cuadro, pero lo que más destaca son las personas que se encuentran en el centro, principalmente quien lleva la corona y esta vestido muy elegante, este hace referencia al Cristo Pantocrátor y las cuatro personas que están alrededor son las más importantes y en mi punto de vista las otras personas que se encuentran en la parte derecha son sus sirvientes o personas que están ahí para servirle.

La Virgen y el Niño





Arquitectura:

En la Primera Edad de Oro, época de Justiniano I, siglo VI, se realizan las más grandiosas obras arquitectónicas que ponen de manifiesto los caracteres técnicos y materiales, así como el sentido constructivo que caracteriza el arte bizantino de este período.

Del mundo romano y paleocristiano oriental mantuvo varios elementos tales como materiales (ladrillo y piedra para revestimientos exteriores e interiores de mosaico), arquerías de medio punto, columna clásica como soporte, etc. pero también aportaron nuevos rasgos entre los que destaca la nueva concepción dinámica de los elementos y un novedoso sentido espacial y, sobre todo, su aportación más importante, el empleo sistemático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre pechinas, es decir, triángulos esféricos en los ángulos que facilitan el paso de la planta cuadrada a la circular de la cúpula. Estas bóvedas semiesféricas se construían mediante hiladas concéntricas de ladrillo, a modo de coronas de radio decreciente reforzadas exteriormente con mortero, y eran concebidas como una imagen simbólica del cosmos divino.

Santa Sofía de Constantinopla

Santa Sofía se construyó entre los años 532 y 537, inmediatamente después de la destrucción de la primitiva basílica constantiniana debido a un incendio que brotó durante la llamada Insurrección de Nika, en el mismo año 532.

Santa Sofía es una iglesia palatina construida junto al palacio imperial y como el emperador quería realizar una construcción eminentemente grandiosa con el fin de manifestar así su poder, mandó llamar a dos ingenieros especializados en construcciones militares porque se consideraba que así podría ejecutarse una obra con más innovaciones técnicas que si la dirigiese un arquitecto. Estos ingenieros fueron Isidoro de Mileto y Antemio de Tralles.

Iglesia de San Vital de Rávena, Italia

Monasterio de San Miguel de las Cúpulas Doradas

Escultura

La plástica escultórica bizantina supuso la culminación del arte paleocristiano, manteniendo sus técnicas y su estética de progresivo alejamiento de las cualidades clásicas: la mayor rigidez, la repetición de modelos estereotipados, la preferencia del bajorrelieve a las obras de bulto redondo y el uso de materiales primera etapa.

Tras la sistemática destrucción del período iconoclasta hay una vuelta al culto de las imagenes, pero para no caer en la idolatría y por influjo de las nuevas corrientes islámicas desaparece la figura humana en la os (marfil) que proporcionan pequeñas piezas, son los caracteres más destacados de la estatuaria bizantina de la estatuaria exenta.

Influencia árabe en la edad media

La labor más importante desempeña por la cultura islámica fue la de crear una síntesis de todas las culturas de los pueblos conquistados. Así, aceptaron las formas del gobierno bizantinas, estudiaron a los filósofos griegos, copiaron elementos artísticos bizantinos, persas, indios o visigodos, introdujeron la numeración y las narraciones cortas de los indios, y de los chinos tomaron la pólvora, la brújula y el papel. Con todo ello supieron crear una cultura muy peculiar que llegó a ser una de las más avanzadas del mundo.

El arte musulmán se amoldó a la religión y a los gustos de las clases adineradas. Crearon la mezquita para reunir a los creyentes en la oración y palacios dotados de patios porticados con jardines y fuentes que ocupaban el centro de umbrosas dependencias. Todos estos edificios fueron decorados con profusión de motivos vegetales y geométricos en yeso o cerámica. La forma humana nunca apareció representada, por estricta prohibición del Corán.

Románico

El arte Románico se desarrolló en una época de pobreza y aislamiento comercial de toda Europa, el arte Románico se desarrolló durante los siglos XI, XII y mediados del XIII, época en que comienza el arte gótico

El arte Románico tiene varias características comunes independientemente de donde se desarrolle:

1) Es un arte funcional. Es un arte hecho no para ser visto, sino para existir y ser practicado El material utilizado eran las piedras en forma de bóveda La escultura y pintura servían para resaltar la arquitectura.
2) Es un arte del material. El arte Románico resalta la belleza de los materiales que utiliza, se convierte en tema de sí mismo.
3) Es un arte de lo sagrado. Los Románicos fueron los que introdujeron las escenas historiadas hasta en tos capiteles. Tanto el sentido de la función como el del material sitúan al arte románico al borde de la creación de la naturaleza, naturalizante.

4) El arte románico fue sobre todo un arte religioso, que reflejaba los valores de la nueva sociedad feudal, sociedad que era a la vez guerrera y cristiana.

Características generales de la arquitectura románica, análisis de obras.

Se llama estilo románico en arquitectura al resultado de la combinación y armonía de elementos construidos y ornamentales de procedencia latina, oriental (bizantinos, sirios, persas y árabes) y septentrional (celtas, germánicos) que se formó en la Europa cristiana durante los primeros siglos de la Baja Edad Media. Sus principales características son:

o   Arco de medio punto

o   Bóveda, primero de madera y más tarde de piedra

o   Contrafuertes en los muros para sujetar las bóvedas.

o   Pilar más anchos.

o   Planta en forma de cruz latina

o   Ábsides semicirculares para rematar las naves.

o   Crucero; separa las naves donde estaban los fieles del coro.

o   Girola; pasaba por detrás del Altar Mayor

o   Cripta; algunas iglesias guardaban allí las reliquias de los santos.

·         Obras Importantes

Iglesia de San Clemente de Tahull

Está iglesia fue consagrada el 10 de Diciembre de 1123 y situada en Lérida-España.

Aún se conserva parte de la estructura original, incluso la torre. Al interior están las tres naves cubierta las cuales contrastan bastante con el techumbre de madera de las que consta la iglesia están separadas por columnas de capiteles muy sencillos. La cabecera al exterior, formada por un ábside semicircular y dos absidiolos laterales, está decorada con semi-columnas adosadas al muro y arquillos doblados. Templo célebre por las pinturas murales que decoraban su interior. Para su exterior se podría decir que los muros no tienen ornamentación aluna y solo se ven interrumpidas por los vanos de las puertas y ventanas.

 Iglesia de Santa María en Eunate   

Esta iglesia fue construida a mitad del siglo XII, y está localizada en Navarra-España, se encuentra prácticamente en medio de la nada en un lugar llano que realza aún más su espiritualidad y el encanto del que es uno de los monumentos más interesantes de la arquitectura románica de Navarra, la principal característica de esta iglesia y lo que más llama la atención es la existencia de un claustro exterior a su alrededor también de forma octogonal; está iglesia fue diseñada principalmente para el silencio, porque transmite paz y serenidad, es un lugar de calma, y por eso es un lugar muy especial; por otro lado este lugar que invita a orar, un lugar de encuentro con Jesús.

Esta iglesia está conformada por una planta octogonal imperfecta y está rodeado por una galería porticada de 33 arcos, con capiteles decorados. Circunvalando ambos elementos (la planta y el claustro) un pequeño muro protege todo el conjunto; la cubierta es de forma piramidal a ocho aguas, hecha con piedra laja; en lo alto una espadaña y una pequeña torre de forma cuadrangular. Los muros interiores están construidos con sillares, en cada ángulo que forma el octágono.

                                                                                                                              

Basílica de San Isidro de León

Esta basílica se construyó entre los siglos XI – XII, se encuentra ubicada en León-España. Es uno de conjuntos arquitectónicos de estilo románico más destacado de España.

Es un templo de tres naves con cabecera formada por tres ábsides semicirculares, un crucero saliente y tiene una planta de cruz latina, está iglesia no es de grandes proporciones. En sus bóvedas se pintó en el siglo XII un repertorio de primer orden de estilo románico europeo por lo que se le denomina la “Capilla Sixtina” del románico, en estas pinturas se puede decir que es un resumen de todo el nuevo testamento, también está incluido Apocalipsis. El interior se respira un indescriptible ambiente medieval. La penumbra, la solidez de los pilares, la imaginación de las tallas transportan al visitante a un mundo olvidado.

Características generales de la pintura románica, obras importantes con análisis.

o   Solía ser pintura al fresco (pintada sobre un muro que estaba humedecido). No se pintaba sobre telas.

o   Las pinturas solían decorar las bóvedas y los ábsides de las iglesias

o   Las figuras carecían de profundidad y volumen.

o   Los temas eran religiosos, y tenían carácter didáctico.

o   Fuerte expresionismo.

o   Poca importancia de la luz y del modelado.

·         Obras Importantes

Pantocrátor

Está imagen se encuentra localizada en la Iglesia de San Clemente de Tahull, en la ábside principal. Se puede observar a Pantocrátor sentado, apoyado sobre una franja superior que se corresponde con la zona curvada en vertical de la bóveda y decorada con motivos vegetales, también se encuentra metido dentro de una mandorla perlada con su mano derecha bendiciendo y en la izquierda sosteniendo un libro en el que se lee en latín la frase “YO SOY LA LUZ DEL MUNDO”; viste una túnica de color gris, a la que se sobrepone un manto de color azulado, se puede observar que en la parte de la izquierda y derecha aparecen las letras alfa α y omega Ω, simbolizando a Cristo como el principio y fin de todas las cosas. Por otro lado también se puede observar que rodean al Pantocrátor cuatro ángeles que portan los símbolos de cuatro evangelios.

Fresco Santa María de Tahull

La pintura fue realizada a mitad del siglo XII, y se encuentra en el ábside central de la iglesia de Santa María de Tahull

En la imagen que voy analizar se puede observar claramente que es de estilo románico ya que cumple con la ley de frontalidad e hieratismo, tiene composiciones simétricas, es una pintura con fondos planos, es decir que no tiene profundidad, tiene un trazo grueso dibuja, perfila y marca la figura y los detalles, se puede observar que los colores son vivos pero aun así la imagen no deja de ser plana.

Desde mi punto de vista en la imagen propuesta se puede observar que en el centro de la imagen se encuentra la virgen con el niño Jesús en sus rodillas que están rodeados de la mandorla mística, alrededor de la virgen se puede observar a los tres reyes magos, cada uno con su respectivo regalo. También se puede observar que Jesús tiene un pergamino en la mano izquierda y con la mano derecha bendice.

Características generales de la escultura románica, obras importantes con análisis.

Los precedentes históricos:
La escultura románica no surge por generación espontánea; hay que buscar sus antecedentes en los ensayos prerrománicos de los pueblos bárbaros: joyas, marfiles, iluminación de códices, etc., en la estatuaria bizantina: la herencia grecolatina mediatizada por la espiritualidad cristiana (hieratismo, simbolismo y carácter sobrenatural) y en la escultura tardorromana y los sarcófagos paleocristianos, que aportaron rasgos formales e iconografía.

Las características principales son:

o   Antinaturalismo: desconexión de lo representado con el mundo real. Carácter simbólico y alegórico.

o   Las figuras se deforman intencionadamente buscando el impacto emocional.

o   Simplicidad y estilización. Geometrismo y abstracción.

o   Rehúsa la representación del cuerpo humano desnudo, todas las figuras se cubren con vestiduras.

o   Las figuras son rígidas; solemnes y alargadas, para acentuar su carácter espiritual. Técnicamente aparecen como primitivas.

o   Ausencia general de movimiento.

o   Las composiciones y escenas se yuxtaponen en un mismo plano, sin formar grupos.

o   Falta volumen, las composiciones son planas y simétricas, con un claro predominio de la frontalidad.

o   Es una plástica que se dirige a la mente, de una gran carga intelectual, dado que transmite contenidos ideográficos con un evidente afán didáctico.

o   Ausencia de perspectiva: No hay fondos arquitectónicos o paisajísticos.

·         Obras Importantes

 Busto Romano de Antínoo

Está escultura fue realizada Bitinio-Claudiópolis en Bitinia (Asia Menor) el 27 de Noviembre entre los años 110 y 115 y está hecho a mármol.

Antínoo era un muchacho muy atractivo, favorito y amante del emperador romano Adriano; luego este joven murió ahogado en el rio Nilo, tras su muerte varias personas incluido el emperador decidieron venerarle como a un semidiós, y hasta le dieron algunos templos, y después de algún tiempo pusieron su cara en algunas monedas.

Cristo Crucificado

Estas imágenes de Cristo sacrificado y el de María con su niño son las representativas del estilo románico, estas imágenes se crearon para poner en los altares de las iglesias, y llegaron a provocar intensa devoción, ya que al parecer al hombre medieval, ya que para ellos era mucho más fácil proyectar sus sentimientos piadosos sobre una escultura. Se puede observar que como en otras representaciones se muestra a Cristo puesto en una cruz de madera y muy debilitado y con sangre en todas partes pero mucho más en la cabeza, por lo que portaba la corona de espinos, y clavadas sus manos y pies.

   

La virgen con el niño

Como anteriormente ya comente, esta escultura es una de las más representativas, aunque esta representación se lograba reducir el culto de los paganos a los ídolos y divinidades escondida, todavía muy frecuentes en algunas religiones. En definitiva cuando se hace una pintura, una escultura de la virge, también se lo tiene que representar al niño Jesús, ya que María toma la posición de “La Madre Jesús.”

Gótico

Características generales de la pintura gótica, obras importantes con análisis.

A la pintura romántica se le hizo modificaciones como técnicas, búsqueda de otros soportes entre ellos el retablo que será el soporte gótico por excelencia y la sustitución de muros por vidríales coloreados con tonos azules, rojos, amarillos y verdes; esto dio lugar a la pintura gótica. La temática de la pintura gótica está basada fundamentalmente en la parte religiosa con la representación de la vida de Jesús, de la Virgen y de los Santos, destacados entre estos los apóstoles y los santos titulares; la pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza, incluyendo la representación de paisajes.

                        

·         Obras Importantes:

Estilo italo-gótico o trecentista:

Este estilo surge en Italia en el siglo XIII y en el siglo XIV se difunde por toda Europa. Se aprecia un interés por la búsqueda de la profundidad que lleva a grandes estudios sobre la perspectiva clásica.  Se estudia el cuerpo humano, la importancia de la luz en relación con los colores

De todos los autores que trabajan en la Italia de la Baja Edad Media, el más importante es Giotto di Bandone.

Características básicas de su estilo pictórico.

La Santa Cena

En la pintura gótica de Jaime Huguet se puede ver en su pintura la fusión de lo cortesano y de lo religioso. Huget debió viajar a Italia a formarse con alguno de los artistas que difunden el italianismo.

Una de sus obras maestras es La Santa Cena. Aquí, la mesa ya no es una mesa circular como en la Edad Media, sino rectangular, lo que la acerca a un incipiente carácter renacentista, en donde se representa a Jesús con sus discípulos realizando la santa cena.

Maestá di Santa Trinitá

Esta pintura fue elaborada por Cimabue, y está realizada en temple sobre madera de forma puntiaguda y con fondo de oro. En esta imagen se puede observar a una virgen con un niño en los brazos que hace referencia al niño Jesús como camino a la salvación, esta virgen se encuentra sentada con el niño y se encuentra en la parte central de la pintura. En la pintura se observa en la parte inferior a cuatro hombres que se encuentran sorprendidos por la aparición de la virgen, estas cuatro personas hace referencia a cuatro profetas. Alrededor de la pintura se puede observar a cuatro ángeles en el lado izquierdo y cuatro ángeles en el lado derecho, estos ángeles están alrededor de la virgen y del niño. 

Biografía de autores del arte gótico.

Ø  Simone Martini

Nació en Italia, aunque se desconoce exactamente el lugar y la fecha de su nacimiento sin embargo se dice que fue en la ciudad de Siena en el año de 1284, su fallecimiento dio lugar en Francia en la ciudad de Aviñon, en Julio del año 1344, él fue de nacionalidad Italiana. No se conoce mucha información sobre su niñez ni adolecencia, aunque fue un aprendiz desde muy temprana edad y por eso dice que fue uno de los más destacados intérpretes del arte góticos después de Duccio.

Ø  Duccio

Nació en Siena y fue uno de los fundadores de la escuela pictórica, y fue uno de los más influyentes artistas en la formación del gótico internacional. Su producción segura, no muy abundante, incluye varias obras que fueron utilizadas para la catedral de Siena, considerada como su obra maestra. Originalmente se llevaba en procesión por las calles de la ciudad. Significó un importante paso adelante en el estilo pictórico y en la narración de historias a través de arte visual.

Ø  Jan van Eyck

Nació en los países bajos de Borgoñones tal vez en Maaseki en el año de 1395, falleció el 9 de Julio de 1441 en Burbujas en el mismo país que nació, era de nacionalidad flamenco, se casó con Margaretha. Fue considerado uno de los mejores pintores del Norte de Europa y el más célebre de los primitivos flamencos. Una de las principales obras fue “Las Virgenes”, “El Retrato del Matrimonio Arnolfini”, etc. En todas sus obras siempre mantuvo un estilo gótico.

Características generales de la Escultura Gótica y análisis de obras

Como toda gran arte la escultura gótica tuvo una evolución la cual fue notable en los tres siglos que duro este estilo. Los materiales esenciales y mayormente empleados fueron la piedra, la madera, el marfil y el metal. En este tipo de esculturas sobre sale el naturalismo pero idealizado, las figuras se humanizan con una representación de gran detallismo y la evidente elegancia de las formas, la flexibilidad de los tejidos y la expresividad de los rostros. La temática fundamentalmente es religiosa basada en la representación de la vida de Cristo y de los santos aunque de más clara interpretación.

·         Esculturas Góticas

Virgen Blanca de Toledo

También podemos decir que tal como sucede en la arquitectura, la plástica gótica refleja luminosidad e ingravidez, lo que se advierte en la estilización y alargamiento de las figuras y en sus posturas en curva, en especial durante el siglo XIV.

En efecto, a partir de este siglo las formas góticas evolucionan hacia un estilo manierista, en el cual se subraya los rasgos sentimentales y las figuras se doblan para adquirir un perfil sinuoso, resaltado por los pliegues de las vestiduras.

Las Vírgenes Necias

El grupo está formado por 5 vírgenes prudentes y 5 necias vestidas a la moda del siglo XIII; aparecen sin idealización alguna como muchachas de la época. Las prudentes sostienen alzadas las lámparas de aceite, mientras que las necias las dejan caer. Todas las figuras estaban policromadas, lo que le daba una vivacidad extraordinaria al conjunto. Las vírgenes con sus vestiduras en movimiento y sus hermosos gestos se liberan de la rigidez propia de la estatuaria monumental y niegan la disposición axial determinada por la arquitectura, de este modo, la clásica vista delantera se amplía hacia los lados.

Maria Lactans

Existen dudas sobre su autor, Vasari se la atribuyó a Nino Pisano, hijo de Andrea Pisano; pero actualmente se considera que la misma es obra del padre. Esta Virgen, la primera que aparece dando el pecho dentro del arte italiano es una muestra clara de la humanización de las figuras, nada más hermoso y natural que una madre amamantando a su hijo. La Virgen lactando, más que reina de los cielos es madre de Dios y de la humanidad.

Características generales de la Arquitectura Gòtico.

El gótico se desarrolló entre los siglos XII y XV y fue en la arquitectura donde este arte se dio a conocer, con la creación de la catedral, siendo la obra gótica por excelencia. Las catedrales contienen bastante naturalismo como follajes, hojas, animales y gárgolas como desagües en la decoración de los capiteles también fueron construidas como edificios que tienden a la altura con algo de idealismo que las hace crecer en busca de Dios, impresiona su grandeza y majestuosidad. El material utilizado es la piedra cortada, escuadrada y pulida en sillares regulares. 

 
Obras:         

         Catedral de Burgo de Osma (Soria)

Es una catedral de estilo gótico que sustituyo a una antigua catedral de estilo románico, su construcción se inició en el 1232 pero a lo largo del tiempo fue adquiriendo aportes estilísticos de otros estilos por el ejemplo el neoclásico que es hasta donde se hicieron remodelaciones hasta el año 1784. Esta catedral fue dedicada a la Asunción de la Virgen.

La catedral románica que estuvo ahí antes de la gótica tuvo muy poca vida, pues la creciente importancia del Burgo de Osma elegian espacios más amplio. Abatido totalmente por las corrientes espirituales de la época, el obispo Juan Díaz de Median ordeno la demolición de la catedral románica para reedificarla pero con estilo gótico. Las obras continuaron con su sucesor Pedro Peñafiel.

·        Catedral de Cuenca

La catedral de Cuenca es uno de los edificios más particulares de la Edad Media española y mucho se ha escrito acerca de ella para explicar su presencia en estas tierras ásperas de la Castilla Meridional.

Fachada de la Catedral de Cuenca: Cuenca fue conquistada por Alfonso VIII de Castilla en el año 1177. A continuación la Mezquita fue cristianizada como era habitual hasta que se pudieran acometer las obras de un templo ex-novo de tipología cristiana. Esto debió suceder entre diez o veinte años después.

En 1208 se había consagrado el Altar Mayor por lo que la cabecera debió estar construida completamente para esa fecha.

·        Catedral de Sevilla

La catedral de Sevilla ha tenido muchas fases constructivas ha pasado por algunos estilos de épocas distintas y aun así en su actualidad estos estilos han quedado mezclados atravesó del tiempo pero en este caso solo hablaremos del lado del estilo gótico.

Naves góticas de la catedral de Sevilla: Se cree que la mezquita comenzó a ser derribada en 1403; conforme se iba desmontando el edificio almohade simultáneamente se iba edificando la nueva catedral. Se ignora de quién fue el proyecto inicial, aunque se atribuye a Alonso Martínez, Maestro Mayor de las obras entre los años 1386 y 1394. La siguiente referencia a un maestro de obras es para Pedro García, entre los años 1421 y 1434, año en que figura el contrato con el maestro Ysambret (o Isambret), probablemente de origen flamenco.

Bibliografía

http://ildefonsosuarez.es/Arte2bat/Tema_paleocristiano_y_Bizantino/Imagenes/1.%20paleocristiano%20de%20occidente/arles_gallery/imagepages/image9.html

http://historiadelarte.webatu.com/paleocristiano.html

http://elartevivido.blogspot.com/2010/12/arte-paleocristiano.html

http://arte-paleocristiano.wikispaces.com/Pintura

http://arteinternacional.blogspot.com/2009/06/arte-paleocristiano-s-i-v-d-cto.html